Queriendo inagurar una nueva sección en Las Malas Artes llamada “Tocar e Irse“. Lo que quiero decir es que paso de parrafadas y de enseñanzas magistrales, si estoy viendo algo, estoy escuchando y me pone, y como me pongo pues hago el mítico “Tocar e irse“. Quizá este post es más recomendable para otros lugares, Twitter etc… pero mira… esto es un “Tocar e Irse”.
Y es que Vampire Weekend me pone, mientras lo escucho, he pensado dejar ese pequeño post. Tocan en Madrid el 28 de febrero de 2010 y el 27 en Barcelona. No os lo perdais.
Os dejo el temazo de “A punk” del primer disco de Vampire Weekend, que por cierto acaban de sacar un discazo.
A veces uno va con sus mejores intenciones al cine y preparado para todo, pero ¿cómo te lo pagan los cines? Con peliculas vacias y huecas que pretenden contarte algo pero en realidad se basan en la nada,.. nada,.. nada (nos devuelve el eco de esta pelicula)
Cómo decir que Spike Jonze, el director de películas tan miticas como “Cómo ser John Malkovich” ha tenido el valor de acometer semejante adulterio fílmico. Pero es así, una bella estética, unos paisajes increíbles, un mundo sorprendente y una sensación constante de que algo tiene que ocurrir, que los personajes van a crecer, van a contar algo interesante o va a haber un cambio radical en la pelicula, pero no. No ocurre nada, y la sencilla razón por la que no ocurre nada es porque está basado en un cuento infantil de 10 páginas con menos de 30 palabras en cada una de ellas (He tenido el placer de tenerlo en mis manos).
Quizá porque estamos hablando de un largometraje basado en un libro con poco más de 300 palabras, algo más que este post, en lugar de criticar deberíamos alagar, aplaudir o ahuyar, siguiendo el consejo de la película
…auuuuuuu!!!! auuuuuuu!!!
Pero nada, no me sirve de nada. “De donde no hay, no se puede sacar” que decía mi abuela, y nuestro pobre director mucho ha hecho sacando una pelicula de su cuento infantil favorito.
Si queréis verla me parecerá maravilloso, sin duda existen peores peliculas, con peores escenas, peores actores, peores guiones, pero que no te dejarán con ese intento de “te lo voy a dar todo…pero no tengo nada”, y con esto digo que no es una mala pelicula (bien han eyaculado uno de los críticos de “El Pais”) pero en nada me llevó a mi mundo infantil, y ni me trasladó a ese lado salvaje que todos tenemos atado por las normas sociales.
El cuento de Maurice Sendak para los niños es maravilloso y se puede contar de mil maneras, pero desgraciadamente no da para una película.
En un alarde de enfrentarme al frío el otro día atravesando la estepa Castellana Leonesa me acerqué a un cine y…vi la “Celda 211″. Con algo de miedo, me atrevo a decir que me pareció una buena película. Y por qué no decir que una muy buena película española (creo en algún sentir de mi interior que la pelicula de Amenabar no la veo como española si no de fuera), tan bajo hemos tenido el listón estos años que me ha alegrado maravillarme por la interpretación de Tosar, Ammann y los secundarios. Que en España siempre hemos tenido grandes secundarios, pero incluso voy a decir que después de muchos años he conseguido ver a Antonio Resines haciendo de actor y no de Resines (aunque en algunos momentos cojea un poco)… Bueno, la verdad, es que estoy escribiendo esto y no me lo creo.. no entiendo quién coge a Antonio Resines…porque no le aguanto. Siempre hace el mismo papel, excepto en “Los ladrones van a la oficina” que se dedicó a no hablar. Da muy bien a camara pero…siempre es Resines, le querremos pero no me gusta ver a Resines, me gusta ver un personaje. Pero fuera de eso los actores secundarios están increíbles, la narración me parece acertada y buena, básicamente porque es simple y no se mete a experimentos. Y aunque todavía al cine español le falta un poco de credibilidad en las secuencias de acción (les falta verdad), he de decir que Daniel Monzón ha hecho una buena película y se agradece.
Sobre la historia, al principio es poco creíble, no siento los actores muy finos, y creo que es desafortunado algún momento del dialogo, aunque luego sea necesario para la historia, creo que es demasiado sincero (quien haya visto lo entenderá) pero poco a poco la historia y los actores se engrandecen, y nos lleva a analizar la profundidad humana en situaciones extremas (o al menos lo ha intentado). Se intenta mantener la tensión en todo momento, y aunque en algunos momentos cojea, y en otros no están bien resueltas, el conjunto es bueno, aunque no perfecto, y se traduce en buenos momentos de cine. Me alejo de los ciegos alagos de “La mejor película desde hace tiempo” y las demás ocojedoras frases que se brindan entre si. Pero tras hechos tales como “Mentiras y Gordas”, “Spanish Movie” y un larguisimo etc, una pelicula que no se haga con la única intención de cobrar una subvención para sobrevivir un año más y auto flagelarse, hemos de darla un aplauso. “Estimulo Positivo” creo que lo llaman, si al menos la mitad de las peliculas intentaran tomar el mismo camino algo mejor estaría nuestro cine… bueno no entramos en debates.
Por lo además, junto a una buena historia, la película está plagada de grandes actores. Tosar está inmenso, no se ve rasgos ni de él, ni de cualquiera de los otros personajes (en el otro extremo tenemos a Resines). Es un personaje de fuerza, pero también se demuestran detalles del personaje que el guión quería resaltar, y que él lleva magníficamente a la pantalla. Francisco Ammann resalta por la transformación de su personaje que resulta creíble y a veces convincente, y aunque le queda todavía un camino muy largo en la interpretación, hace una magnifica pareja con Tosar. Como he dicho los secundarios desde Luis Zahera, pasando por el pequeños de los Bardem, Carlos, y Vicente Romero que hacen un trabajo que sin ellos la pelicula quedaría coja o casi muerta.
Por favor, yo no soy quien debería poner este post, porque de musica sé lo que me enseñó la profesora solfeo que nunca tuve, y finalmente tuvo que ser “Sonrisas y Lágrimas” quien me dijera que existen las notas musicales, con una canción que todavía he sido incapaz de aprender. Pero el destino es así y una amiga me ha enviado este video, que habla del mismisimo origen de la música y cómo es un lenguaje universal.
Quizá haya muchos que como yo, no sabían que era la Escala Pentatónica, pero creo que con la con la maestría del señor Bobby McFerrin, todos la comprenderemos. Por favor disfruten de una magistral clase, que ni el señor Feyman .
Llevo dos días pensando en cómo hablar de esta obra, si hablar bien, si hablar mal, o si todo lo contrario. He pensando en leer sobre el autor Romeo Castellucci, profundizar en su obra y poder explicar con más detalle lo que vi, y lo que entendí. También he pensado en leer otras críticas para analizar lo que otros decían y poder llevar una opinión construida, pero tengo la impresión de que simplemente me llevarían a pensar otras cosas que no serían mi opinión y como se reza en nuestros estatutos “nosotros tenemos razón”, y por esa razón espero que teméis como misa negra, que para eso no es domingo , lo que creo que podré escribir. Estoy generando expectativas que, ojalá pueda cumplir. (Para inspirarme me llevo de mochila a The Antlers, ¡¡Gracias Jos!!)
Os podéis ya imaginar que esta obra no es ninguna obra clásica, sino algo que podíamos definir como “teatro visual”. Contrario al teatro “clásico” que se define más por el texto, y la presencia del o los actores, en “Hey Girl!!!” el director autor de la obra nos lleva a un viaje alucinante de escenas de excelente calidad técnica y emotiva, que envuelven y desconciertan al espectador que si no está dispuesto a subirse en su nave, será mejor que deje el teatro y disfrute de unas cervezas o perderá su tiempo. Si está dispuesto, y se libera, podrá disfrutar de un gran momento teatrál, donde una excelente actriz, Silvia Costa, nos conduce por el viaje mentál de una mujer, según la visión de Romeo Castellucci y interpretación mía y de Jos.
Hasta aquí, todos podréis decir que me ha gustado, y podré decir que sí, “me ha gustado una de las mayores rayas de teatrales que he visto”, junto con HamletMachine, y algunas performance sin sentido que he tenido que aguantar, mención especial al ballet de sonidos urbanos que vi hace años. Pero que me haya gustado no es por mero esnobismo o por quedar de guay ante la galería, sino por dos principales razones; la primera, como ya he dicho antes, la gran calidad de ejecución e interpretación en escena, las hermosísimas ideas plasticovisuales que se desarrollaron en escena, y la capacidad de transmisión que aunaban la actriz y la escenografía, y segundo, y extremadamente importante, porque duraba menos de una hora, bueno o eso creí yo, realmente fue hora y media.
Y es que me parece básico, si quieres rallarte y maravillar al público con tu vómito de ideas yo las aguanto durante una hora, porque a partir de ahí empezaré a pensar sobre el color del techo de mi cocina, o me entrará hambre, y si eres un genio, y Castelluci me lo ha parecido te daré una propina de treinta minutos.
Si he de decir algo bueno sobre la obra, debería explicar como hacía tiempo que no veía una escena de desnudo en escena que estaba cargada de sentido, en donde no puedes comprender la escena sin su cuerpo desnudo, y que si la imaginas con ropa carece de sentido. Este sentido no solo está dado por la construcción de la escena sino por la capacidad corporal de la actriz que expresa con cada gesto, y que rigidez lo que significaba la escena. No se basaba en mostrar un cuerpo desnudo y, como en muchos casos se quiere provocando al público o llenando de obscenidad el escenario. Por primera vez, veo en escena al cuerpo como es un vehículo de transmisión, un lienzo donde la actriz se divierte para hablar al público y contarle sus sentimiento, sin necesidad de la palabra o tan siquiera la mirada, que hasta ese momento no tiene.
Asi que resumiendo, creo que ya os he puesto en preaviso para esta obra, ya sabéis que iréis a ver. Yo fui sin saber, y arrastre conmigo a otro más. Es una obra que según he ido digiriendo me ha gustado cada vez más, ¿la volvería a ver? Esa es mi gran duda. Os dejo el Trailer hecho para el festival de Rotterdamse.
Me dejo en el tintero el uso de la luz, y el sonido, la aplicación del teatro de máscaras y el sentido que yo le dí a la obra, también la crítica al Teatro Maria Guerrero(CDN) por arriesgarse con estas obras (bravo!!) pero una reprimenda por no haber substitulado las pocas frases que se decían en la obra,…pero ahora quiero leer sobre Romeo Castellucci, y sobre una pregunta que me hago siempre despues de ver estas obras ¿Qué es teatro?
A veces es muy fácil desacreditar un película, por el mero hecho de que sus diálogos no abarquen más de 10 páginas (por una sola cara), o porqué su actor principal no sepan cambiar la expresión a lo largo de toda la película, o porque su argumento no rebase la capacidad comprensión de un hipopotamo en celo, pero aunque parezca lo contrario estos no son suficientes argumentos para desacreditar a una película que llegó al Monte Olimpo, y se convirtió en Mítica.
Sí, Rambo III es mítica y os explicaré por qué.
Perspectiva histórica: No es posible abarcar la magnitud de este film (sí lo he llamado ¡¡¡film!!!) que permite visualizar el cambio posicional de los EEUU con respecto de los Talibanes, y especialmente de la palabra muyahidin. Antes del 2001 esa palabra para la mayoría del mundo esta palabra no tenía ningún significado. Muchos escuchamos esa palabra sin retenerla en la pelicula, pero ahora para todos describe a un terrorista musulmán cuyo fin es suicidarse con una bomba pegada al cuerpo. Pero según la versión Americana del momento, y que describe la película son gente brava y justa que lucha por impedir que su tierra sea arrasada por los rusos. Ahora la versión oficial es bien distinta.
Medicina Alternativa: No es posible olvidar la escena en la que Rambo, Jon Rambo, acampa huyendo de los rusos y debido al dolor que le produce una vara de metal clavada en su costado decide buscar alternativas, pensamiento paralelo, para curarla, y encuentra la solución que poca gente hubiese pensado. Con la destreza de un hombre de su condición abre una bala del calibre 110 con su mítico cuchillo de 40 cm de hoja, y echa la pólvora en la herida para rápidamente prenderle fuego y cauterizar la herida. Y le duele.
Frases para la Historia: Las películas que pasan a la historia lo hacen con grandes frases y en una película donde escasean las frases cada una de ellas es una perla que no debemos perdernos. Ya hemos hablado de la descripción sobre los muyahidines y los afganos, pero debemos revisar otras. No podemos repasarlas, pero pongamos un solo ejemplo. Rambo es perseguido por el jefe de las Spetnas (comando ruso) quien pilota un helicóptero, y tras cargarse a la mitad de la compañía Rambo recupera un radio entonces el ruso le dice “¿Quién eres?” y Rambo impertérrito “Tu peor pesadilla”. Si con esto a uno no se le hiela la sangre…adios.
David contra Goliat: Está demás hablar de la capacidad que tiene Rambo para emular al David biblico en su lucha contra el tiránico Goliat. Pero quiero recordar como rememorando a la escena bíblica Rambo ataca a un helicoptero ruso con su arco, y lanza una flecha con una punta explosiva ( fácilmente pudiera substituirse por una ojiva nuclear) consiguendo que el helicoptero explote en mil pedazos.
Creo que estos son suficientes argumentos. Y a quien no le guste, que alquile “Sonrisas y Lágrimas”.
Hemos de agradecer a la mala suerte de Neill Blomkamp y la falta de recursos de Peter Jackson que estos dos hombres no consiguieran su objetivo e hicieran una película más sobre un video juego. Otra película de usar y tirar, donde al igual que en StarShip Troopers la mayoría del tiempo estuviéramos esquivando las arcadas por las macabras escenas de alienígenas y hombres aniquilándose mutuamente con la alegría y jolgorio que da guerra. Pero no fue así, y solo debieron conseguir un escueto presupuesto de 30 millones de dólares (sí, escueto sí, StartShip Troopers costó 100)
Pero como digo esto es un presenté no consumado, o un futuro hipotético, porque debido a la falta de dinero, Neill Blomkamp tuvo que ir a las ideas, y exprimirlas, ya que no pudo ordeñar la vaca de Hollywood.
Tomó un corto que había realizado “Alive in Jonburg” y desarrolló esa idea (desarrollar ideas… qué bien suena)
Y tras mucho pensar y contando con los pocos cuartos que le habían dejado decidió hacer un buena película de ciencia ficción.
Una buena película de ciencia ficción porque como bien sabe la gente que le gustan los relatos de ciencia ficción, este género no es una mera rallada sobre el espacio, el tiempo, la tecnología , los extraterrestres y los demás si no que es un vehículo para reflexionar sobre el propio ser humano, su naturaleza y las adornados claro está con espectaculares naves espaciales, extraños seres (y que tanto nos gustan) que ponen al hombre en lugares que generalmente no se encontraría siendo simplemente hombre. Porque no se enfrenta a otro hombre, sino al espacio, a los extraterrestres, a la tecnología o a cualquier cosa que pueda ocurrírsele. Eso hace la buena ciencia ficción y eso hace esta película.
Seguramente por simplificar podemos decir, y es lo que se está diciendo, que la película es una reflexión sobre el Apartheid , pero que finalmente es una reflexión sobre el ser humano, sobre su codicia, su egoísmo, y sobre lo poco conscientes que somos de lo que es día escribió Beltor Bretch “Primero se llevaron…”, lo que nos cuesta ponernos en el lugar de los otros, de cómo mientras nosotros estemos bien y los malos no nos toquen, preferiremos callar e incluso participar creyendo que así saldremos ilesos. Por eso esta película, no se queda en otra película más de marcianos, y todo el mundo (humano) queda aludido, pero sin dañar ninguna de las sensibilidades de alguna que otra comunidad.
Por otro lado es interesante que como en el corto, siga la idea del documental, que permite observar desde un punto alejado a un personaje que pasa por más de una ocasión a ser bastante repugnante. Interpretado por Sharlto Copley, quien desguaza un personaje llego de riqueza, por doble apariencia débil con el resto de personas y a la vez desalmado con las alienígenas. Es el puente para hablarnos de nosotros mismos, de cómo se nos ve en esos momentos, y cuáles son las flaquezas, aunque también la fuerza y la ambición del ser humano.
Seguramente, y que quede claro, gracias a esta buena película de ciencia ficción tendremos su secuela que se llamará “Halo”.
Del director de “Azul Oscuro casi Negro”, asi es como se presenta esta pelicula, pero seguramente, y gracias al dinero invertido en publicidad, pero también a la calidad de la pelicula, dentro de poco será conocido como el director de “Gordos”. El director se llama Daniel Sánchez Arévalo.
Intentando describir esta pelicula, solo recuerdo peliculas españolas, buenas y sinceras, donde el humor se mezcla con la tragedia de la vida, donde historias, en algunos casos rocambolescas nos llevan a los sentimientos cotidianos, a los mismos miedos y contradicciones que nos atenazan y condicionan nuestras vidas.
Buenos dialogos y escenas que se quedan en la retina, el cristo fluorescente, las confesiones y por supuesto el trabajo de los actores. Que desde Antonio de la Torre a la nobel Leticia Herrero, hacen un gran trabajo, y nos regalan momento inolvidables.
Seguramente esta pelicula no pase a la historia pero ni falta que hace, conjuga lo necesario para disfrutar de la historia, para llorar a gusto y padalear lo que esta cerca de ser buen, muy buen cine, del que posiblemente sea uno de los directores españoles con más futuro.
En resumen: Quizá la mejor comedia española desde hace tiempo, capaz de no quedarse en las vacías historias que año tras año nos relagan los productores españoles que solo piensan en hacer dinero del tiron de mediocres teleseries.
The Station Agent o “Vias Cruzadas” como la distribuidora decidio llamar a la pelicula, acaba de caer en mis manos gracias al famoso random de biblioteca, sea es buscar un peli que no has visto y cogerla al azar, esta vez el premio fue bueno.
Si tuviera que resumir la pelicula diría que es una buena muestra del cine independiente americano, basado en un magnifico guión de Thomas McCarthy, quien también la dirige. La pelicula se basa meramente en los personajes, en sus vidas, en sus conversaciones, que en ningún momento intentan dar lecciones de nada, simplemente son personas que se cruzan en la vida y se hacen compañía. Es una pelicula que no explica nada, que no se basa en ninguna historia rocambolesca, simplemente junta personajes atipicos y deja que se relacionen. Tal y como es la vida, sincera, esta pelicula nos muestras los silencios, las risas, el llanto y frustraciones de los personajes.
No sé porqué pero me apetece haceros un pequeño resumen, típico de revista:
La pelicula nos retrata la vida de Fin que se traslada una estación de tren abandonada, en un remoto punto de New Jersey, para vivir tranquilo y lejos de todo pero donde por su condición de enano, o la casualidad hace que conozca a Olivia y Joe. Joe un vendedor ambulante loco por relacionarse y conversar, que esta seguro de encontrar en Fin una de las pocas personas interesantes en todo el pueblo. Olivia un excentrija mujer que intenta sobrellevar su propia tragedia. Los tres personajes sin nada en común se hacen un extraño trío que les aleja de su soledad, y les permite ser felices.
Volviendo a ver “El Lado Oscuro del Corazón”, vuelvo a sumergirme en la búsqueda del poeta bohemio que uno siempre quiso ser. Estoy hablando de aquellos que preferían gastarse el dinero en Putas, en Libros, y Alcohol, antes que en tener una casa, una habitación, o algo que comer. Oliverio me lleva sin remedio al poema de José Agustín Goytisolo “Esos Locos Furiosos Increible” quizá no tenga nada que ver, pero habla de personas perdidas que se pierden entre ellos mismos, amando la literatura y sin saber muy bien donde están, seres que su simple cercanía (al menos a mi) siempre ilumina nuestra oscura cotidaniedad.
Pedir dinero recitando poemas improvisados, comer a cambio de poemas de amor, enamorarse de un puta letrada, y tener como consejera a la muerte, y entre medias poemas de Benedetti, Gelman y Oliverio Girondo. Que tu único fin de tu vida sea buscar a una mujer que sepa volar, dando igual su condición, mujer barbuda, ciega, o puta. “El lado Oscuro del Corazón” habla de la búsqueda, de un periodo que muchos han pasado en el limbo, caminando sin rumbo hasta que algo te hace despertar, te ilumina y quizá no te da dirección pero sí te hace buscarlo.
Está claro que si te gusta la literatura, si no hiciste ni caso a la canción de Sabina “Pastillas para no soñar” y a veces la frase “sé practico” te chirria entre los dientes… esta es una buena pelicula.
